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Identidade, nostalgia e visões para o futuro
Publication . Bastos Machado, Luís; Centro de Estudos de Sociologia e Estética Musical (CESEM - NOVA FCSH)
Perante o rápido processo de modernização na Europa oitocentista, a segunda metade do século vê nascer uma crítica da modernidade industrializada e urbanizada através de meios artísticos e literários, amiúde evocando uma nostalgia por um passado idealizado pré-industrial. No caso da cultura austro-alemã, esta crítica assume tendencialmente uma particularidade: no imaginário germânico, o passado ganha forma como fonte genuína da identidade, Deutschtum, legitimizando a rejeição de determinados valores da modernidade considerados estrangeiros (ocidentais) e decadentes. Na prática, esta noção identitária não é estanque nem sempre propriamente étnica, tal como o demonstra a apropriação de variadas figuras não germânicas para o(s) cânone(s) da Deutschtum. Por outro lado, também fora dos territórios germanófonos se encontram fortes correntes germanófilas, subscrevendo aberta ou tacitamente os valores artísticos subjacentes à idealizada identidade germânica. Porém, definindo-se em boa parte num quadro de negação, a noção de Deutschtum em finais do século XIX e nas primeiras décadas do século XX, agudizada pelas tensões bélicas, vive de um sistema dicotómico de valores opondo aquilo que é supostamente alemão àquilo que o não é: cultura (Kultur) / civilização (Zivilization); comunidade (Gemeinschaft) / sociedade (Gesellschaft); profundidade / superficialidade; idealismo / materialismo; etc. A arte e, especialmente, a música austro-alemã, como metáfora do espírito no centro da identidade germânica, traduz para os seus discursos essas noções. Existindo já alguma literatura a relacionar Deutschtum e composição, crítica, teoria e análise musical, no domínio da interpretação esta é ainda apenas pontual. Como se manifestam então noções de Deutschtum em intérpretes que atravessam esta época, e que consequências têm elas na sua conceptualização musical e visão para o futuro? Procuraremos nesta comunicação dar um contributo para esclarecer estas questões, com um foco em pianistas germânicos nascidos sobretudo nas duas últimas décadas do século XIX. À semelhança de outros artistas de uma primeira vaga modernista, referências a Deutschtum e/ou aos seus valores são recorrentes e, até certo ponto, estruturantes em certos aspectos do seu pensamento, tornando-se este conceito num agente de polarização em vários eixos. O mais óbvio será, talvez, o pseudo-étnico, que opõe com frequência as características presumidas da música alemã em especial às da francesa. Mas aquele que será possivelmente mais marcante refere-se à própria música germânica, contrapondo intérpretes conservadores, que excluem do seu cânone as novas linguagens expressionistas e dodecafónicas, aos vanguardistas que consideram que estas, sim, são as que permitem dar a necessária continuidade a uma Deutschtum modernista e não anacrónica. Desvelam-se desta crise dois sistemas interpretativos correspondendo ao que cada facção projecta como a sua ética: uma inspiração nostálgica nos modelos do passado, e uma suposta reformulação das regras de interpretação com base em preceitos da nova composição e teoria musical; ambas apenas parcialmente se cumprem. No seio destes discursos surge a figura conciliatória de Johannes Brahms que, geralmente ultrapassadas na mente destes intérpretes as clivagens da "Guerra dos Românticos", é apropriada por ambos os lados como charneira entre passado e presente: paradoxalmente, um mesmo modelo composicional e de ética interpretativa para futuros que se anunciam radicalmente diferentes.
The Concept of Craftsmanship as a Reaction to Modernity in Germanically
Publication . Bastos Machado, Luís; Centro de Estudos de Sociologia e Estética Musical (CESEM - NOVA FCSH)
The shocks of modernity in German-speaking lands during the second half of the nineteenth century originated what Marion Deshmukh has coined as an ‘ambivalent modernism’ in society and the arts: an acceptance of certain aspects and values of modernity together with a reaction against others deemed as incompatible with a genuinely German spirit. How did musical interpretation reflect this ambivalence? In the Germanic imaginary at the turn of the twentieth century, the glorification of craftsmanship was one of various axes on which the struggle against the ills of modernization rested. By incorporating traditional artisanal techniques and values in otherwise avowedly modernist aesthetics, some artists staged a resistance against the massification of industrialized production, in which the quality of dedicated individual work was lost with the mechanization of tasks. In this paper, we shall explore in which ways the thought of various Germanically- trained pianists born around the last two decades of the nineteenth century can be framed in a context of ambivalent modernism, specifically in what concerns the value of craftsmanship in their discourse and performance aesthetics. By relying on Richard Sennett’s conceptualization of craftsmanship, and drawing from writings and critical editions made by various performers, we propose an outline of this aspect of interpretive thought as it appeared among that early- modernist generation. Our study shows that the idea of craftsmanship presented itself in complex forms. Within a prevalent aesthetic paradigm of absolute music, ‘craft’ was often associated with the purely physical – therefore inartistic and insufficient –aspects of playing. The appreciation of craftsmanship can, however, be read chiefly as a rejection of formulaic and systematic interpretive solutions, emphasizing the need for individuation and the value of heterogeneity. A critical and dynamic engagement with the specific musical material at each moment was promoted, with important repercussions in the relationship with the notation.
'... Any Unnecessary Movement Was Discouraged.'
Publication . Bastos Machado, Luís; Centro de Estudos de Sociologia e Estética Musical (CESEM - NOVA FCSH)
The idea of absolute music has pervaded the Austro-German tradition since the nineteenth century. By the early twentieth century, the concept became aligned with a more formalist outlook with spiritual overtones. Those sustaining this autonomist perspective considered the performing body an external element to the work, raising fundamental questions on the problematic relationship between an idealized composition and its performance. Could the idea of the work be satisfyingly achieved in sounds through physical gestures? If so, how could a performer minimize their bodily interference in its objective, ideal nature? In short, how was the ideology of absolute music, in its early twentieth-century form, cultivated in the gestural language of performers? For Philip Auslander, the gestural dimension is a fundamental part of the performative act beyond the mere sound phenomenon: it is a source of potential social, cultural, and personal readings of the performer’s persona. Furthermore, musical meaning is not only conveyed by the ‘purely technical’ gestures that materialize the notated music, since both the spectator’s musical experience and the performer’s own conceptualization are also influenced by movements often considered to be merely ancillary and interpretively ‘neutral’. In light of these considerations, we shall look into performance-driven discourses and practical examples in pianists who were active in the first half of the twentieth century, and explore ways in which the aesthetics of absolute music became entwined with specific views on the physicality of performance. We propound that this ideology expressed itself as a gestural phenotype often with audible interpretive consequences: the performer’s body was muted, gestures reduced to what was perceived as bare essentials, as part of an attempt to strip subjectivity from performance. For those performers, the negation of the body as a producer of meaning was a way of cultivating in (the reduction of ) gesture their ideological principles.
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SFRH/BD/136826/2018